El lienzo correspondiente a su etapa Abstracta, es una manifestación de su búsqueda artística más libre y expresiva. A través de una composición fluida y dinámica, el artista combina formas curvas y fragmentos geométricos, generando una sensación de movimiento constante. La superposición de elementos y la interacción entre distintos planos refuerzan la idea de un espacio en transformación, donde la estructura visual oscila entre el equilibrio y el caos.
El uso del color es clave en la obra, con una paleta vibrante que contrapone tonos cálidos como rojos y ocres con matices fríos como verdes y azules. Este contraste no solo aporta profundidad y luminosidad, sino que también crea una atmósfera envolvente que invita a la contemplación. Además, los degradados y las transiciones sutiles en ciertas áreas generan efectos de luz y sombra que dan volumen a las formas, acentuando la riqueza visual de la pintura.
Más allá de la abstracción formal, la obra de Pinto sugiere un paisaje emocional y simbólico. La disposición de los elementos y la sensación de flujo evocan tanto estructuras orgánicas como fuerzas naturales en transformación, lo que podría interpretarse como una representación subjetiva de su mundo interior. Esta intención se alinea con su propio pensamiento artístico, donde buscaba plasmar sensaciones y estados de conciencia mediante un lenguaje visual no figurativo.
En este sentido, la obra no se limita a ser un ejercicio estético, sino que constituye un espacio de exploración sensorial y espiritual. Miguel Pinto, al alcanzar en esta etapa la "libertad absoluta" en su proceso creativo, logra transmitir a través de esta pieza una energía vibrante y una invitación al espectador para sumergirse en una experiencia intuitiva del arte.